ARTISTAS " POVERA"
Los
precursores
Al
abordar el tema del Informalismo en Europa ya se habló de la importancia de
artistas italianos como Alberto Burri y Lucio Fontana. Ambos pueden
considerarse como precursores del Arte Povera. El primero empleaba tela de
arpillera que, a causa del tratamiento al que se la había sometido, llegaba a
parecer un material de desecho. En cuanto a la pintura espacialista de Fontana,
aparte de ser casi siempre monocromática, integraba el orificio como elemento
esencial de las composiciones. La austeridad de la obra de este artista es uno
de los factores que permiten considerada como precedente de la de ciertos
artistas "pobres».
Alberto Burri Lucio Fontana
Lucio Fontana: http://www.youtube.com/watch?v=XGbeDoqOz8E&feature=related
Aparte
de los informalistas italianos, existe otro artista que quizá se halla todavía
mucho más próximo no sólo a la estética povera, sino también al contenido que
pueda desprenderse de la obra de los artistas de esta tendencia. Se trata de
Piero Manzoni, amigo de Yves Klein y de los nuevos realistas franceses, y que,
en ocasiones, llegó a exponer con ellos. La obra de Manzoni, que murió a los
treinta años, en 1963, no es demasiado abundante, pero en cambio abarcó
terrenos muy diversos. De todas sus realizaciones, la que más difusión tuvo
fue, sin duda, la célebre Mierda de artista, constituida por latas en las que
Manzoni había colocado su propia defecación. Una vez rotuladas, se dedicó a
enviarlas a las galerías italianas. Se trata de un acto que retorna la ironía
duchampiana, pero que, al mismo tiempo, va mucho más allá porque implica un
manifiesto rechazo del mercantilismo artístico que, en aquellos momentos,
estaba experimentando un auge extraordinario.
Piero Manzoni
En
otras ocasiones, Manzoni trabajó con materiales inusuales en el ámbito de la
pintura, como se advierte en sus Panecillos acromáticos, obra en la que utilizó
una serie de panecillos, dispuestos en franjas perfectamente ordenadas sobre
un soporte, y que pintó después de color blanco. En este tipo de realizaciones
se distingue una cierta conexión con la de su amigo Klein, sobre todo en el
reiterado recurso de la monocromía.
La
presencia de este tipo de actividades en el ámbito italiano favoreció el hecho
de que, algo más tarde, un nutrido grupo de artistas se lanzaran a la
investigación de nuevos comportamientos sin dejar de lado las experiencias de
sus inmediatos precursores.
Los
principales representantes del Arte Povera
Los
artistas que inicialmente formaron parte de la tendencia del Arte Povera en
Italia fueron Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano
Fabro, Jannis Kounellis, Marisa Merz, Mario Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali,
Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto y Gilberto Zorio.
Dentro
de este numeroso grupo, cuyos componentes pertenecen a generaciones distintas,
destaca, por su significación, la obra de algunos de ellos. Tal es el caso de
Mario Merz (1925), cuyos comienzos como pintor informalista se sitúan en los
años cincuenta. La transformación más importante en el modo de concebir la obra
tuvo lugar a mediados de los años sesenta, cuando empezó a interesarse por el
entorno y a tener en cuenta todas las posibilidades inherentes a la actividad
creadora, sin limitarse a un solo modo de expresión.
Las
primeras obras de este período surgieron al confrontar, de manera insólita
objetos y materiales encontrados. Su Homenaje a Morandi, que puede considerarse
como un auténtico precedente de obras posteriores, estaba constituido por una
botella y un vaso, rodeados por un tubo de neón. Uno de los factores esenciales
en el arte de Merz es el hecho de que el artista trabaja teniendo en
consideración el contraste de los materiales opacos y trasparentes. El empleo
casi sistemático del neón implica una valoración importante no sólo de la luz
que desprende, sino de la energía que lleva implícita.
La obra
más famosa de Merz, la que realmente escapa al concepto tradicional de
escultura para situarse en el terreno de una ambigüedad manifiesta, es Iglú de
Giap (1968). A partir de la primera versión, Merz recurriría, en distintas
épocas, a la misma estructura, la del casquete semiesférico, para trabajarla en
materiales distintos, destinados a ámbitos diversos.
Mario Merz
El
significado del iglú dentro de la trayectoria artística de Merz fue esencial,
pues le permitió expresar de modo sintético su pensamiento plástico. Desde un
punto de vista simbólico es una toma de posición política, su deseo de no
acceder ni a lo anecdótico ni a lo teatral, el carácter del iglú puede
asociarse al de la cúpula, con todo lo que ello representa. Observado como
configuración geométrica, posee un carácter marcadamente racional que choca
con el primitivismo inherente a la construcción de los nómadas esquimales.
Merz no
sólo se interesó por estos aspectos constructivos, sino que logró mostrar, a
través de los materiales utilizados, que su preocupación también residía en la
noción espacial. Con el tema del iglú, Merz permite que el observador comprenda
cuán importante es el espacio exterior, en unas ocasiones, y, en otras, cuán
significativo resulta el espacio interior.
Aunque
Mario Merz emplease materiales nuevos, como los tubos de neón, las baterías
acumuladores, no dejó de utilizar otros materiales que ya tenían una tradición
en el arte del siglo xx, como los que aparecen en el citado Iglú de Giap (los
saquitos de arena y el armazón metálico sobre los que los situó).
Entre
los múltiples iglúes que ha realizado, el que data de 1977-1985, aparece
configurado por planchas irregulares metálicas, vidrio desigualmente cortado y
focos lumínicos. A esta versión la tituló “Noí gíríamo íntorno alle case o le
case gírano íntomo a noí? “
Mario Merz
En
otras realizaciones Merz integró, además de pintura sobre tela y los habituales
tubos de neón, ramas encontradas en un bosque, como en Cosí finísce atteso sul
vetro (1978), que implicaban cierta postura ante la importancia de la
naturaleza.
Al
contemplar este tipo de obras resulta evidente su alejamiento de las
manifestaciones minimalistas norteamericanas, en las que los materiales
industriales jamás se unen con materiales encontrados. La tradición de objeto
encontrado e integrado en el ámbito artístico, que se remonta a las
realizaciones de Schwitters, posee, sin duda alguna, connotaciones románticas
que también se hallan implícitas en la obra de algunos “Povera”. El
Minimalismo, en cambio, valora la frialdad máxima y el distanciamiento de todo
aquello que se pueda vincular al ser humano.
JANNIS KOUNELLIS
Otro de
los representantes más significativos dentro de la modalidad italiana fue
Jannis Kounellis (1936), que, procedente de Grecia. Se instaló en Roma en 1956.
Aunque Kounellis empleó materiales absolutamente insólitos -carbón, algodón,
materiales de desecho procedente de derribos, sacos llenos de cereales o de
café, fuego, etc., así como animales vivos o fragmentos de animales muertos, e
incluso gas, sus actividades han de entenderse siempre como las ejecuciones de
un artista pintor. Partía de la tradición bizantina y utilizó, muy a menudo, el
pan de oro, que posee la capacidad de concentrar la energía, a la vez que se
concierte en un poderoso elemento de irradiación lumínica.
En una
pieza Sin título que efectuó en el año 1967, empleó una plancha de acero
esmaltada en la que insertó una percha para colocar un loro vivo que estaba
atado con una cadena. Le interesaba mostrar el efecto plástico del animal con
su plumaje coloreado sobre el fondo liso y brillante. En realidad, se trataba
de un efecto similar al que pudiera provocar una obra pictórica.
En esa
misma época, Kounellis experimentó con fuego, y hacía que surgieran llamas de
paneles metálicos horadados. Una de las realizaciones más impactantes,
efectuada en 1969, fue la disposición de doce caballos vivos en la galería de
l'Attico, en Roma, entre paredes blancas. A través de esta instalación deseaba
producir una tensión lo suficientemente fuerte como para "crear una ruptura
en la comunicación del arte", según sus propias palabras.
En
cualquier caso, la obra de Kounellis siempre es impactante, a veces incluso
agresiva o brutal. En ella, los elementos que la constituyen se presentan al
natural, sin modificaciones, y eso les confiere un carácter, dentro de su
descontextualización, marcadamente directo y que tiene el poder de afectar.
Otros
artistas «Povera»
LUCIANO FABRO
Luciano
Fabro, a quien Celant llama amistosamente Homo Fabro, empezó, hacia 1963, a
realizar obras con vidrio en las que destacaba el carácter de la transparencia
del material y el fenómeno del reflejo. A partir de la lectura y de la
profundización de la obra filosófica de Wittgenstein, Fabro se introdujo en la
experimentación con diversos elementos extraídos del entorno real.
Luciano Fabro
Es
un artista que otorgó gran importancia a los materiales, investigando las
posibilidades de conjugación de los más diversos. Entre los materiales de
carácter resistente que utilizó para sus ejecuciones destacan el acero, el
hierro, el bronce o la madera; de tipo dúctil son el cobre, el latón, el plomo
o el aluminio; a veces empleó también telas o trozos de piel de animales, y
plantas. En Edera (1969) dispuso, sobre una plancha de vidrio enmarcada en
plomo, hiedra, distribuida bastante ordenadamente por toda la superficie. En
ésta, como en otras obras suyas posteriores, Fabro otorga un valor primordial a
los contrastes de color.
GILBERTO ZORIO
En el
arte de Gilberto Zorio también está presente el interés por los aspectos
cromáticos, exaltados por el empleo de materiales realmente insólitos, como
algunos de carácter volátil, como el fósforo, el azufre o los ácidos. Al
emplear crisoles y alambiques, junto con focos lumínicos diversos, creó
ambientes cargados de energía.
Gilberto Zorio
GIUSEPPE PENONE
Giuseppe
Penone efectuó sus primeras obras en el bosque de Garessio, situado entre el
Piamonte y Liguria. En 1968 realizó una obra en la que clavó, en el tronco de
un árbol, una copia exacta de su mano, hecha en fundición de hierro. Con el
transcurso del tiempo, la obra quedaría plenamente integrada en el elemento
natural.
G. Penone
En la
mayor parte de sus creaciones ambientales posteriores, Penone empleó elementos
extraídos del entorno natural, como tierra, plantas o troncos y los enfrentó a
otros creados por él con materiales diversos, principalmente bronce o tierra
cocida. La relación artificial-natural se establece de un modo sencillo y
resulta fácil descubrir el gran interés que el artista siente por el entorno.
GIOVANNI ANSELMO
Giovanni
Anselmo prefirió la confrontación de elementos extraídos entorno cotidiano, que
se caracterizan por su gran simplicidad y por su pobreza, como el aserrín, el
algodón, sacos, placas de vidrio, etc. En ocasiones construyó extraños objetos
en los que se aprecia el deseo de subrayar los contrastes acusados de los
materiales, como en Respiro (l969), pieza constituida por dos vigas de hierro
unidas mediante una esponja.
MICHELANGELO PISTOLETTO
Michelangelo
Pistoletto se decantó, en 1969, por efectuar acciones como la que se titulaba
genéricamente Lo zoo, dentro de la cual se daba la máxima importancia al ser
humano. En El hombre amaestrado efectuaba una serie de actividades, sentado en
plena calle, frente a un montón de trapos y prendas de vestir. Más tarde,
evolucionó hacia la creación de instalaciones, entre las que destacan, por la
fama adquirida, las de los espejos. La disposición de los mismos en ambientes
distintos crea efectos ilusorios espaciales de gran riqueza, pese a la pobreza
de medios. Según él, es la perspectiva la barrera que hace falta superar.
JOSEPH BEUYS
Fue un artista alemán que
trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, happening,
video, e instalación. Es considerado uno de los artistas europeos más
influyentes de la segunda mitad
del siglo XX.
Joseph Beuys
